姓什名谁
千秋独具
——弄清画种

何为画种?就是西画的类型,也称样式,通俗地说是指“什么画”。说起西画,多数人会立即想到油画。这不能算错但不全面。因为,油画的确是西画的主流绘画种类,但主流不是“唯一”。西画的种类很多,除去油画还有前面提及的水粉画、水彩画、版画、铅笔画和蜡笔画等多个绘画形式。讲到此处,明眼人会察觉,画种莫非是依据绘画的工具材料,或者是介质来划分的吗?的确如此。不同的绘画工具、材料、介质决定了不同的绘画形式,不同的绘画形式给人们带来不同的,应当说不一样的审美感受。

既然绘画的工具材料是物质的,就意味着工具材料都有其发生和发展,一个由初期的原始状态到日臻完善,由简单到多样的变化过程。比如人类的祖先把画画在岩石上,就出现了史前的岩画。今天的人们研发了丙烯颜料,于是画种里便出现了丙烯画。可以设想,随着科技的发展,物质材料将日益丰富,对于绘画来说,不排除在未来画种家族里还会有新的成员出现。当然,那个新的画种是否成立,是否被认可,还要取决于艺术家的审美观念、审美创造,以及受众的审美能力等多种条件,此乃后话。

要知道,一个画种的确立,除去物质的决定性以外,与其密不可分的还有技艺技法作用,只不过习惯上,艺术史家和艺术理论家通常是抓大放小,略去了这个因素,仅从本质的方面定义,显然这是一种约定俗成。至于技法和技艺的审美价值,我们专辟一个看点叙述。

一画当前,首先要弄清这幅作品属于哪一个画种。每一个画种各有各的艺术特性,皆有不同的看点,即便有的画种之间差异很细微,恰恰是细微之处见精神。混淆了,囫囵吞枣,川菜粤菜吃成一个味道,美妙的东西被耽搁了,岂不可惜!

油画

油画,是西洋画的主要画种之一。这个画种的核心要素是“油”这个介质,即以油彩+油性调色剂为主要绘画材料的画种。所谓油彩就是油画颜料,是用矿物质颜料粉加油和胶搅拌研磨而制成的。其中的“油”起到是结合作用,所以专业上把这种油叫做“结合剂”。做结合剂的油多用快干性的植物油,如亚麻仁油、核桃油和罂粟油等。油性调色剂,俗称调色油,是作画时所使用的稀释剂(中国画的颜料以水做稀释剂)一般说,油彩比较粘稠,如果不适当稀释,便难以作画。即便稀释,也不是随意的事情,稀释到什么程度是有讲究的。适于稀释的油是具有一定挥发性的松节油和干性的亚麻仁油等。

油彩的油性和稀释剂的油性是会逐渐干燥的,最快干的是亚麻油,其次是核桃油,最后是罂粟油。这意味着什么?意味着油画的绘画过程,有较大的时间弹性——根据创作需要和不同油介的干燥速度,既可一次画完,也可多次地画。同时,油质的干燥不像是水分的蒸发,而是一种氧化——画面附着的颜料形成一层亮膜,有一定的硬度,很牢固,因而能长期保持光泽。

油彩的另一个特性,是具有很强的遮盖力。遮盖力是指油画颜料基本上是不透明的,涂抹在画布之后,可以由深到浅,逐层覆盖,直到满意。不要小觑遮盖力,在某种意义上说,遮盖力=表现力——画家可以充分地刻画和描绘,追求丰富的色彩和立体质感。这是其他画种难以比拟的。水粉颜料和丙烯颜料也具有遮盖力,但比起油彩则逊色了。

其实,油画的“油”也不是与生俱来的。在油彩之前,也就是说在用植物油做结合剂之前,油画不姓油而姓胶彩,也叫蛋彩画。顾名思义,松散的颜料粉是用鸡蛋蛋清做结合剂的,时间应当是15世纪以前的事情了。可以这么说,人们在大英博物馆、卢浮宫,以及弗洛伦萨乌菲齐美术馆看到的,凡15世纪以前的绘画作品,都是胶彩画或蛋彩画,不是油画,整个欧洲皆如此。有一个叫扬·凡·艾克的尼德兰画家(1385年-1441年),善于钻研绘画颜料,同时研究画法,研发出早期油彩,奠定了近代油画基础,后人因扬·凡·艾克的独特贡献,给予他“油画之父”的美誉。

水粉画

水粉画,是以水调和粉质颜料而作画的一个画种。粉质颜料的结合剂是水溶性胶,水是调色介质,显而易见,水粉画姓水不姓油。其实,此话只说对了一半。为什么?因为水彩画也是水溶颜料也是水做调色剂,也姓水不姓油,它们又是如何区分的呢?有一个信息很重要,就是水粉画还有一个俗名叫“粉画”。这个名字帮我们找到了解,一个“粉”字才点到了水粉画的命门。所谓粉就是白色颜料。画水彩画时,稀释颜色,调和颜色都是用水,通过降低色彩饱和度和改变色彩明度,来表现某种艺术效果。而水粉画则既用水也用白色颜料,而且主要用白色,即利用白颜色的遮盖性,以增强绘画的表现力。白颜料的遮盖力很像粉刷墙壁的白色涂料,每刷一遍就把前面的遮盖住。水粉画的这个特性很像油画——较强的遮盖力,可以多次着色,深入描绘,达到较好的造型与色彩效果。毕竟不是一个画种,人们便把水粉画看作是介于油画与水彩画之间的画种,就是这个道理。由于水粉画颜料的水溶性质,以及用水调色的方法,绘画过程中,颜料含水的时候与画完之后水分干燥了,画面的色彩饱和度与纯度是不同的。简单说就是湿的时候颜色较重较深较鲜艳,干的时候颜色变浅变淡变得无光泽,是一种不透明与半透明之间的状态。世上的事就是这样,当人们在为水粉画比不过油画而感到遗憾的时候,水粉画的短板恰是它所独有的艺术长板——润泽、明快、浑然。

水粉画可画在专用纸上,也可画在板子和墙壁上,很灵活。相比油彩,水粉颜料的价格要便宜很多,加之画法比油画便捷,旧时很多大型商业广告、海报、招贴画都用水粉画的形式。同时,水粉画相对易学,是色彩教学的最佳路径,常被艺术教育列为首选课程。

有一个现象需要指出,就是长期以来,由于油画的艺术影响力太强了,以至于水粉画和后面将要介绍的水彩画,都被遮掩在油画大树的影子里。艺术展示和艺术市场上也少有它们的容颜,这不能不是绘画审美的一个不小遗憾!事实上,水粉画具有独特的艺术风格,它带给人们的艺术享受是油画或者其他画种不可替代的。忽略对水粉画等小画种的关注,油画一家独大的局面,是艺术审美的“营养不良症”,应当及时“补钙”。

版画

对于一些非专业人士来说,有些陌生,至少比较淡漠。而在美术院校的专业设置上,传统的“四大部类”——“国油版雕”是少不了版画的,其余的自是国画、油画和雕塑。版画的地位究竟有多重,由此可见一斑。

版画,作为造型艺术的一个重要门类,是艺术家按照事先创作的图稿(腹稿或画稿),通过雕刻、腐蚀和照相感光等方法制作在木质、石质、麻胶,或者铜和锌等印版上,再借助于印刷的方式,将版子上图像转印到纸张、织物、金属、玻璃和合成材料等介质上的绘画样式。从定义里可以看到,版画相对于其他画种而言,不啻一个异类。异在哪里?一是版画技艺一直与印刷术相伴相生。西方宗教读物除文字外,多有图像和图形,在印刷复制的同时,图像和图形要刻制成版子一并印刷,这便是版画的雏形。以后还会随着印刷工艺的发展不断出新。

二是版画的工具材料不是笔和颜料,也不是通常的画布画板画纸,而是刻刀、橡胶滚筒、拓磨工具、油墨、纸材,以及化学制剂。

三是作品不是画家直接绘制,而是先有画稿子再通过“制版”再经过印制的间接创作。

四是利用母版可以多次复制。

五是作品上有印制压痕。何为“压痕”?是由于用版子印制(复制)的时候,要么是机器,要么是人工,为了画面清晰,都需要一定的压力,于是留下压痕。这个压痕也可视作另类“笔触”,别有一番韵味。

版画的创作,既有画家自画自刻(制作版子)的,也有是画刻(制版)分离的。专事制版的艺术家通常称作版刻家。西方绘画史上,有过油画家与版刻家们联手营造的艺术生态,如文艺复兴时代的画家提香和丢勒,两人同时兼具版刻家的身份。尔后的伦勃朗、鲁本斯,以及毕加索和马蒂斯等绘画大师,也对版画艺术的发展做出了重要贡献。

版画的叫法是一个总称,若是细分,还是明目繁多的。版子的材质不同,有木版画、铜版画、石版画、丝网版画、纸版画。印刷方式不同,可分为凹印版画(铜版画、锌版画)、凸印版画( 木刻版画、麻胶版画、纸版画、石膏版画)、平印版画(石版画)、漏印(孔印)版画。用色不同可分为单色版画 和套色版画。复制数量多少可分独幅版画和多幅版画。还可以按照刻法划分,有阳刻版画和阴刻版画等等。

随着新的制版材料和新的印刷技术的拓展,版画艺术的未来,着实不可限量。不过,若是从版画印版表面的构成形态这个属性来看,无论怎样花样翻新,无论品种怎样层出不穷,万变不离其宗——不外乎凸、凹、平、孔(漏)四大类型。也就是说,把握了“四大类型”,也就把握了版画欣赏的要领——版味儿十足。

至此,大家应该明白了:版画这枝艺术奇葩,其美学品质,通俗地说,版画的欣赏门道在哪儿?版画是一门间接性的绘画艺术,与其说版画是画出来的,不如说是“印”出来的绘画才切中要害——富有生命的刀工,巧夺天工化学腐蚀特技,数字时代的数字合成,以及木、石、金属、合成材质的性能,等等诸如此类的工艺性,是其独有的艺术趣味。这种“特殊味儿”,确立了版画画种“这一个”的价值和地位。

水彩画

按照通常的定义,是指用水调和透明颜料作画的一种画种,简称水彩。而对于不会画画的人们来说,光是从抽象的定义上理解这个画种,还是有一些隔膜的。不过,弄懂了油画和水粉画之后,再来认识水彩画画种,则容易多了。先与油画做比较,可以把水彩画看作是与油画对应的一个画种——一个是油介质一个是水介质,油水难融。油与水的物质性差异,决定了两个画种的迥然特色与风格。

再与水粉画比较,水彩颜料与水粉近似,都是胶做结合剂,水做调色剂,不同的地方在于一个“粉”字,前面已经提到,不再赘述。水彩画作画时,调色剂绝对是水,不能用粉(白色颜料)稀释,讲究颜料透明,画法透明,既是水彩画与油画的区别,也是水彩与水粉的区别——画面色彩的透明感与作画过程中的水流渍迹,是水彩画的两个本质特征。从审美上说,欣赏水彩画,看得就是淋漓酣畅、自然洒脱的意趣。

由于水干燥得快,所以水彩画不适宜制作大幅作品,最适合制作风景、静物、花卉等清新明快的小幅画作。绘画的载体也主要是纸材。市面上称作“水彩纸”,由棉、亚麻、碎布和高级纸浆特制而成,比起一般的纸张,质地高,有韧性,耐涂擦,不易破损,表面有冷压的麻面纹路。

水彩画的历史很悠久,可以追溯到古代埃及,远超过油画和其他绘画样式。不过真正成熟完备,自成体系,是19世纪末了。水彩画进入中国是在上个世纪,首先是各艺术院校开设课程,不断推广普及,渐为人们接受。

相比较而言,水彩画是个小品种,甚至不那么起眼,但小有小用途和欣赏价值。风景和静物几乎是水彩画的核心题材。建筑设计专业从很早的年代即把水彩画作为效果图的首选,由此形成西画题材里,建筑水彩是个悠久的传统。图书插画多用水彩作品也是十分普遍的装帧理念。另外居家装饰,房屋面积若不是很大,挂上一两幅水彩静物或风景,绝对是高雅的选择。水彩除用来表现轻盈、明快、清新、流畅的风景外,也有人用来画人物画,甚至表现某些重大历史场面,画出浑厚、粗犷和宏大的效果。当然这不是多数画家可以做得到的,也不是水彩画种的基本属性。

素描

是人类绘画上最早的绘画形式和最古老的艺术语言。其定义最简单不过,是指单一颜色的绘画。提起素描,很多人会认为它是美术训练的一种方式。这种看法不完全错。的确,素描起源于西洋美术教育,是初学美术的人,主要是学生提高造型能力的基本练习。同时,也是艺术家在艺术创作之前,用来打草稿的方式。不管是学生的训练还是创作草图,素描对于物体形象、动态、量感、质感、明暗、空间、色彩、比例、构图、变化统一、疏密等掌控与表达,迄今,还没有哪一种方式比它更完好,也还没有一种能够替代的形式。所以,这个画种自创立以来,千百年来,不断传承,生生不息。

了解素描的训练性和草图性,不意味着它只有这两种功能,更不能由此看低了它的价值。事实上,素描有着双重的属性——功用性和美学性。通俗地说,就是素描这个画种蕴含着极深厚的艺术性,自身就是一个独立的绘画门类,有很多艺术家就是用素描来进行创作的。如法国古典主义画家安格尔,他坚持认为色彩不是最重要的。在这种艺术观的支配下,安格尔创作了大量素描和单线作品。上个世纪,中国有个叫王式阔的画家,也擅长用素描搞创作,而且成就卓著。在西方,除了安氏,美术史上有过很多的素描大师,如意大利文艺复兴时期的三巨匠——列奥纳多·达·芬奇、米开朗基罗·波纳罗蒂和拉菲尔·桑乔。还有伦勃朗、彼得·保罗·鲁本斯以及伊利亚·列宾等也是素描大师。

通常,素描使用的工具材料有干性与湿性之分。其中干性的,如铅笔、炭笔、粉笔、粉彩笔、蜡笔、炭精笔和银笔等;湿性的,如水墨、钢笔、签字笔、苇笔、翮笔和圆珠笔等。习惯上素描是以单色画为主,但在学术上,单色油彩、水粉和水彩也可归入素描。

素描的禀性是一个“素”字,其表现方式与水彩和油画等画种不同,线条是它的灵魂——以线条的粗细轻重来描述对象的明暗深浅,并且无须顾虑表现对象(艺术形象)的色调和色值(忽略掉色彩),可以大胆、放手地任由明暗和光影直入绘画主题。正是由于舍弃了色彩的考量,素描在对象的刻画上,层次更细腻,主从更清晰,在微细的明暗变化中,物体(对象)的立体感被淋漓尽致地表现出来。

摄影界有个现象,当彩色胶片出现之前,彼时的摄影和摄像都是黑白片,在作品上,整个世界都只有两个颜色——非黑即白。人们期盼着用彩色胶片还原世界的光鲜亮丽。当这个愿望实现以后,一些发烧友反倒腻烦了光色,出于怀旧和别一种理念,又重新捡拾起黑白手法,拍出早年的黑白光影。艺术家的这种逆向创作,追求的是什么?是概括、简练、抽象,是舍去繁复,重回单纯。这一点,与素描所营造的单色世界有异曲同工之妙。

假想一下:人们眼睛所见的世界是五光十色,绚丽多彩的,是万分美好的。而画家通过素描之手,屏蔽了纷繁的色彩,遮去喧嚣的干扰,建构了一个虚拟的艺术境地——一切变得静谧、清澈,一切纯粹得只剩下结构、形态和体积,原来世界(对象)是那样的骨感和笃定!难怪有人偏爱素描艺术。这使我们想起中国宋代的周敦颐,他的《爱莲说》有一句台词说,“予独爱莲之出淤泥而不染,濯清涟而不妖,中通外直,不蔓不枝,香远益清,亭亭净植,可远观而不可亵玩焉”。从周敦老的这番美感,我们读出作者“独爱”的“偏执”,以及“独爱”的理由——纯洁。当然,素描的可爱与莲性不完全一样,但那种感受真的是可以迁移的。

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